Crítica de “Anémona”: Daniel Day-Lewis y un viaje al corazón de la culpa

Hay algo de descenso al infierno en Anémona (Anemone, 2025), ópera prima de Ronan Day-Lewis, hijo de Daniel Day-Lewis, quien además de dirigirla coescribió el guion junto a su padre. La película supone el regreso del actor después de El hilo fantasma (Phantom Thread, 2017) y aprovecha esa ausencia para convertir su presencia en un acontecimiento cinematográfico. El actor ganador del Oscar construye un personaje que parece haber decidido desaparecer del mundo, en un film que transforma la culpa, la violencia y el aislamiento en una potente experiencia audiovisual

En el inicio vemos dibujos infantiles que evocan soldados, cuerpos y una violencia enquistada en la historia irlandesa, mientras un hombre de espaldas parece implorar misericordia. Desde el comienzo, Ronan Day-Lewis plantea un universo en el que la culpa se materializa en el espacio. Los nudillos lastimados del chico, los cuerpos castigados y las imágenes de violencia anticipan una historia atravesada por aquello que los padres transmiten a sus hijos. 

La trama gira alrededor de Ray (Daniel Day-Lewis), un exsoldado que vive recluido en una cabaña en medio del bosque, y de su hermano Jem (Sean Bean), quien decide buscarlo para intentar reparar las consecuencias de una ausencia que todavía pesa sobre su familia.

El viaje hacia ese hombre aislado funciona como una suerte de descenso. Jem atraviesa carreteras, paisajes rurales y un bosque cada vez más hostil hasta llegar al territorio de Ray. La cámara acompaña ese desplazamiento con una fisicidad evidente: travelling, cámara en mano e imágenes inestables transmiten la dificultad de avanzar, incluso cuando la moto debe abrirse paso entre los árboles. Cuando finalmente aparece un plano cenital del bosque, el personaje queda reducido a una diminuta presencia en medio de la arboleda, como si una mirada superior —a través de un plano cenital— revelara el lugar exacto donde se encuentra enterrado en vida. Porque Ray no solamente está aislado: está cumpliendo una condena. Vive como un ermitaño, con unas pocas pertenencias, casi como si hubiera decidido retroceder dos siglos para escapar del presente. Ese autoexilio es también un autocastigo. La cabaña se convierte en prisión, refugio y confesionario al mismo tiempo. 

La puesta en escena de Ronan Day-Lewis trabaja constantemente sobre la frontera entre lo real y lo onírico. El bosque deja de ser un simple escenario para convertirse en una extensión mental de los personajes. La naturaleza parece observarlos, esconderlos y finalmente devorarlos. A esto se suman apariciones, imágenes surrealistas y composiciones de fuerte impronta pictórica, una consecuencia también de la formación artística del director, que proviene de las artes plásticas. La película apuesta así por imágenes que buscan expresar aquello que los personajes no pueden verbalizar.

También el sonido cumple una función decisiva. Los cortes abruptos de sonido acompañan los cambios de escena y producen una sensación de ruptura permanente, como si la película misma estuviera construida a partir de recuerdos fragmentados. La música de "The Haxan Cloak" (Bobby Krlic) profundiza esa atmósfera ominosa y convierte determinados momentos en auténticos estallidos emocionales. En ese sentido, Anémona posee una mirada poderosa, capaz de encontrar belleza en la oscuridad, para retratar su gran tema: la transmisión del dolor entre generaciones. 

Ronan Day-Lewis filma el trauma como un paisaje: un bosque cerrado, una carretera interminable, una cabaña perdida y un hombre que decidió esconderse del mundo. El resultado es irregular y por momentos excesivamente solemne, pero encuentra en la imagen, el sonido y sobre todo en la presencia física de Daniel Day-Lewis una potencia que justifica el viaje.